¿Debemos salvar la arquitectura posmoderna?
"Estoy quemado", dijo Michael Graves.
El polarizador arquitecto pronunció estas fatídicas palabras en 1988 en una exposición en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. Graves, una figura importante en el entonces ascendente movimiento de diseño conocido como posmodernismo, era famoso por logros grandes y pequeños, desde destacados monumentos municipales como el colorido edificio Portland, uno de los primeros grandes proyectos estadounidenses asociados con el movimiento, hasta la divertida pava Alessi. Sin embargo, a finales de los años 80, percibió un cambio colectivo que se alejaba de los objetos y edificios grandilocuentes y multicolores que había ayudado a popularizar durante las dos décadas anteriores, y se acercaba a algo más moderado y pragmático.
No se equivocó.
El posmodernismo, una escuela de diseño colorida y ecléctica que hizo añicos las nociones establecidas de gusto definidas por el modernismo de mediados de siglo, disfrutaba de un estilo anclado en la ornamentación y la forma que eclipsaban la función. A finales de los años 1970 y 1980, sus practicantes –diseñadores como Ettore Sottsass, April Greiman, Charles Moore y Jon Jerde, así como pioneros anónimos del género como Alan Buchsbaum y Dan Friedman– ayudaron a crear frivolidad teatral desde la ciudad de Nueva York hasta Los Ángeles.
Entonces la fiesta terminó. Desde entonces, muchos arquitectos y desarrolladores se han alejado de la abundancia de "más es más" en favor de una satisfacción silenciosa y simplificada. La irreverencia y la exageración están fuera: importantes edificios posmodernos como la Casa Abrams en Pittsburgh y el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego ya han sido demolidos. Otros ejemplos queridos/vilipendiados esperan ahora su destino.
A medida que estas estructuras crecen hasta la edad en que requieren renovaciones significativas, el posmodernismo no ha visto el mismo replanteamiento que otros estilos desfavorecidos. El inquietante lenguaje de los años 60 conocido como brutalismo, en particular, ha disfrutado de un estallido de celo contrario. Los devotos del hormigón han producido atlas, grabados y monografías listas para la mesa de café, como Heroic: Concrete Architecture and the New Boston y The Brutalists, todos ellos esfuerzos por darle un giro a la narrativa. Más de 1,3 millones de fotos están etiquetadas con #brutalismo en Instagram, con #postmodernismo a la distancia con poco más de 283.000 imágenes. Los conservacionistas deben defender la reevaluación del posmodernismo ahora u observar cómo estas extravagantes maravillas desaparecen antes de que haya siquiera un debate.
En riesgo están varias estructuras destacadas. En la ciudad de Nueva York, el vestíbulo de ladrillo blanco y mármol del número 60 de Wall Street, un espectáculo del Renacimiento egipcio diseñado por Kevin Roche, espera una reforma. Un ejemplo de la opulencia de la era Reagan, este espacio público de propiedad privada es de mal gusto o glorioso, según a quién le preguntes. En agosto, la Comisión de Planificación de la ciudad de Nueva York votó para permitir que sus nuevos propietarios siguieran adelante con una remodelación que incluiría ventanas del piso al techo, líneas verticales limpias y una pared viva de 100 pies. Y en Chicago, los fanáticos del Centro James R. Thompson (el edificio cívico de Helmut Jahn de 1985, conocido por su fachada de cúpula recortada y su atrio de 17 pisos con adornos azules y salmón) temen que se destruya en preparación para la nueva sede en Chicago de Google.
No todos los edificios posmodernistas amenazados son proyectos tan elevados de la clase arquitectónica titular. Los centros comerciales y otros lugares comunes representan una corriente vernácula poco reconocida del posmodernismo, gran parte de la cual corre el riesgo de ser rediseñada. El patio de comidas del Cottonwood Mall en Albuquerque, Nuevo México, es sólo un ejemplo, repleto de un diorama al revés en el techo y nubes de dibujos animados en lugar de mesas.
A la cabeza de la carga para salvar el posmodernismo se encuentran defensores como Adam Furman, un artista y diseñador radicado en el Reino Unido cuyas ilustraciones gráficas y trabajos de decoración del hogar se inspiran en los edificios Pomo en ciudades como Londres, Manchester y Surrey. Furman es uno de los pocos diseñadores que ayudan a reintroducir el género a una nueva audiencia, proporcionando contexto para la cacofonía.
"Conocí el posmodernismo porque el término en sí era peyorativo, un rechazo de casi todos los tipos de diseño que fueran decorativos u ornamentales de alguna manera", dice Furman. Señala la demolición en 2014 de la Casa Marco Polo de Londres, una versión de cerámica blanca y vidrio tintado de un antiguo templo egipcio diseñado por el arquitecto Ian Pollard. El edificio de oficinas de 1989, que alguna vez albergó los estudios del canal de compras QVC, se encontró con la bola de demolición a pesar de una campaña pública pidiendo indulto. En su lugar se construirá un complejo de viviendas de uso mixto.
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"Cada período arquitectónico tiene un momento de auge en el que la gente se entusiasma mucho y para los arquitectos se pone de moda diseñar con ese estilo", dice Furman. "Y luego hay un período de treinta años en el que está completamente pasado de moda, en el que es absolutamente odiado".
Incluso los estilos más apreciados han tenido que pisotear este período del purgatorio. La arquitectura victoriana, cuyas torretas y adornos de pan de jengibre ahora se exaltan como atemporales y de buen gusto, alguna vez se enfrentó a las excavadoras de los desarrolladores del siglo XX que buscaban construir estacionamientos (vistos en ese momento como el sello distintivo de un futuro visionario). Pero el posmodernismo, que enfrentó una recepción en gran medida hostil desde el principio, es ahora particularmente vulnerable. Cuando se inauguró en 1995, el Museo de Arte Moderno de San Francisco, revestido de piedra de Mario Botta, fue descrito por el crítico del Chicago Tribune, Blair Kami, como “más una fortaleza intimidante que un atractivo palacio popular”. El crítico de arquitectura de Time, Wolf Von Eckardt, se burló del edificio Portland calificándolo de "surrealismo pop peligroso" y le preocupaba que su arquitecto, Graves, hubiera sido atraído "al cada vez más popular y místico mundo de fantasía poblado por los hobbits de Tolkien, Dungeons & Dragons, diversos cómics, personajes de striptease y personajes como la gomosa estrella de cine E.T.”.
El pasado y el presente
A pesar de las citas históricas y las paletas coloridas que irritaron a los críticos, las raíces del posmodernismo eran decididamente urbanas y contemporáneas. Alan Buchsbaum, quien diseñó el loft SoHo en tonos pastel de Bette Midler en 1981, se inspiró en las casas de baños de la ciudad de Nueva York y los baños de las estaciones de metro. Buchsbaum combinó el enorme estilo de arte mural de los años 70 conocido como supergráficos con materiales como vinilo o espuma (que usaba para fabricar muebles) para crear un espacio de oficina para el director comercial Gennaro Andreozzi, un loft para la modelo Christie Brinkley y un concepto de comedor modular para un espectáculo patrocinado por Owens Corning.
"Era uno de los arquitectos más fantásticamente inventivos y radicalmente importantes de la ciudad de Nueva York", dice Furman, señalando la forma en que el diseñador eliminó las barreras de privacidad usando puertas de vidrio o "colocando un maldito inodoro en medio de una habitación de hotel". Furman también destaca el trabajo de Dan Friedman: el diseñador utilizó su propio apartamento como laboratorio donde experimentó con diseños y decoraciones en constante cambio. En este espacio, creó carteles, membretes y logotipos mientras trabajaba para la firma de diseño Pentagram, junto con muebles Day-Glo hechos a partir de objetos encontrados y un libro para Keith Haring en 1982. “Fue como un tipo de exploración radical y revolucionaria de los gráficos espaciales”, dice Furman.
El posmodernismo no fue sólo un fenómeno de la costa este. Charles Moore y William Turnbull diseñaron la famosa comunidad Sea Ranch a lo largo de la costa de Sonoma en California, cuyo Kresge College en la Universidad de California en Santa Cruz, un complejo de dormitorios idiosincrásico destinado a imitar una aldea toscana, fue un ejemplo temprano de posmodernismo (la escuela recurrió a Studio Gang para una renovación reciente de la excéntrica universidad manteniendo la mayor parte de su espíritu original). La diseñadora pionera Barbara Stauffacher Solomon, quien esencialmente creó el campo de los supergráficos, utilizó ilustraciones atrevidas y llamativas como señalización para los característicamente neutros y terrosos alrededores de Sea Ranch.
Fuera de las costas, los Siete de Chicago, un grupo de malhechores posmodernos de primera generación cuyo apodo rendía homenaje a los manifestantes de la guerra de Vietnam de la década de 1960, arremetieron contra el canon modernista vanguardista de Mies van der Rohe de la ciudad. A diferencia del grupo de Memphis, la producción de los Siete de Chicago como unidad solidificada fue en gran medida teórica; sus miembros inaugurales incluyeron a Tom Beeby, Larry Booth, Stuart Cohen, James Ingo Freed, James L. Nagle, Stanley Tigerman y Ben Weese. Denise Scott Brown y Robert Venturi, críticos vocales del modernismo, ayudaron a defender a Las Vegas como capital del estímulo posmoderno. En 1968, el dúo, junto con un grupo de estudiantes de la Escuela de Arquitectura de Yale, visitaron y estudiaron el Strip de Las Vegas, lo que dio como resultado su manifiesto Pomo, A Significance for A&P Parking Lots, o Learning from Las Vegas.
El posmodernismo a menudo se vincula con el Art Déco y sus formas geométricas, formas en zigzag y patrones de chevron. Pero el crítico de arquitectura y diseño de The Guardian, Olivier Wainwright, remonta sus raíces teatrales mucho más atrás, específicamente al Salvaje Oeste. "El estilo arquitectónico clásico de fachada falsa de finales del siglo XIX en las primeras ciudades mineras de oro y ferroviarias da la impresión de solidez, permanencia y grandiosidad", dice, "pero en realidad fueron en su mayoría temporales y de construcción barata".
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El posmodernismo produjo algunas de las fachadas con motivos temáticos más innovadoras del Medio Oeste y la Costa Oeste, incluidas las tiendas BEST Products. En la década de 1970, esta ya desaparecida cadena de tiendas minoristas con salas de exposición por catálogo recurrió a James Wines de SITE (“Escultura en el Medio Ambiente”) para diseñar sus tiendas sin restricciones. Las tiendas BEST se convirtieron en obras de arte de la mano de Wines, que produjo fachadas con exteriores desmoronados o descascarados. Lo más impresionante fue la tienda de la cadena en Sacramento (aparecía como una caja de ladrillos ininterrumpida cuando estaba cerrada, pero cuando se abría, un pequeño segmento de esquina de la estructura se deslizaba hacia adelante para revelar la entrada). Todas las brillantes tiendas de Wines se perdieron poco después de que cerrara la última tienda BEST en 1997.
Wainwright, quien también ha dado la voz de alarma por la supervivencia del posmodernismo, pasó seis meses en Los Ángeles a principios de este año. Allí se quitó el sombrero ante la Catedral de Cristal de 1980 de Philip Johnson (rebautizada como Catedral de Cristo en 2019) en Garden Grove, uno de los ejemplos más rapsódicos (y por tanto mejores) de posmodernismo de California. La iglesia, compuesta por más de 10.000 paneles de vidrio rectangulares, se encuentra en un campus de 34 acres que incluye una iglesia convertida en arboreto de Richard Neutra y un centro de vida familiar de Gin Wong. También está la estatuaria chapada en bronce, llamativa pero gloriosa, que incluye un Moisés azotado por el viento sosteniendo los Diez Mandamientos, un limpiador del paladar para los amantes del diseño que quedaron desencantados por el ultramoderno Museo de Arte del Condado de Orange.
Los Ángeles está repleta de rarezas posmodernas que a menudo pasan desapercibidas. La oficina de Katz Dental Group en Century City, por ejemplo, no solo ofrece rosa y turquesa de alrededor de los años 80 en su fachada, sino también una cascada de azulejos negros y un tubo que arroja "Katz" sobre la entrada con una fuente de pasta de dientes. El edificio Chiat/Day de Frank Gehry (ahora propiedad de Google) en Venice Beach cuenta con un par de binoculares gigantes que flanquean el estacionamiento y la entrada peatonal. Algunos restaurantes de comida rápida, que suelen tener un alto volumen de renovación, todavía mantienen intacto su encanto posmoderno, como un alegre Taco Bell en el centro de California con elementos de menú de neón en tonos pastel y abundantes formas geométricas.
“Ver todas estas fantasías de la década de 1920, desde el renacimiento maya hasta el estilo de los libros de cuentos, hizo darme cuenta de que Los Ángeles ha sido durante mucho tiempo una cuna de muestreo de la historia de la arquitectura con promiscuo abandono”, dice Wainwright. “El verdadero hogar espiritual de Pomo”.
Dando la alarma
Técnicamente hablando, no hay nada único en los proyectos posmodernos que haga que su preservación sea un desafío: la Biblioteca de San Juan Capistrano, la versión de 1983 de Graves en la cercana Misión y su primer edificio público, recientemente completó una restauración importante que mantuvo intacto su diseño original, por ejemplo. Sin embargo, a pesar de la pasión de los defensores del posmodernismo, los recientes esfuerzos por salvar varias obras importantes han fracasado. Una campaña pública para salvar el Horton Plaza de Jerde, un centro comercial de San Diego de 1985 conocido por su salvaje logia a rayas blancas y negras y su falso campanario, no impidió su demolición en 2019. Y la Biblioteca Peckham de Londres, diseñada por Alsop & Störmer y terminado en 2000, ahora espera la guillotina después de no lograr alcanzar el estatus histórico.
Liz Waytkus, directora ejecutiva de Docomomo US, una organización sin fines de lucro para la preservación de edificios, señala una falta de comprensión histórica de por qué estas estructuras tienen un final prematuro. A diferencia del Reino Unido, donde los edificios pueden optar a la designación histórica después de treinta años, en Estados Unidos normalmente se necesitan cincuenta años para que los edificios sean elegibles, lo que deja desprotegidas estructuras importantes de la era moderna. Un obstáculo mayor podría ser la falta de protesta pública.
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"La respuesta que recibimos de los municipios sobre la designación de posmodernismo es que no hay suficiente investigación, discusión o descripción del posmodernismo, ni académicamente ni en el ámbito público", dice Waytkus. Ella dice que el debate municipal sobre si 60 Wall Street está a la altura del estándar de un hito careció de comprensión y calificó la falta de designación como “simplemente una tontería”. Waytkus insta a académicos, periodistas e historiadores de la arquitectura a salir de sus zonas de confort y comenzar a concentrarse en proyectos de las décadas de 1970, 1980 y 1990. “Lo que está en peligro ahora es el posmodernismo en Estados Unidos”.
Tal esfuerzo condujo a una suspensión de la ejecución del Edificio Portland, la atrevida pero difícil torre de 1982 de Graves. Las críticas Karrie Jacobs y Alexandra Lange abogaron por su preservación, lo que ayudó a convencer a los funcionarios locales escépticos de sus méritos estéticos. Graves citó el debate público para ayudar a salvar su edificio: "No querían ser conocidos como la sociedad que derribó el edificio Portland", dijo el arquitecto a The Architect's Newspaper.
Antes de que otros edificios de la era Pomo enfrenten el destino que temía Graves, estas rarezas arquitectónicas necesitan reunir a más fanáticos en su defensa.
"Necesitamos diversidad, necesitamos espacios únicos", dice Waytkus. "No queremos que todo parezca un aeropuerto de Singapur".
Fuente: CityLab/ Traducción: Horacio Shawn-Pérez
